lunes, 22 de marzo de 2010

PINTORES ACTUALES: HAMILTON

"Las Meninas" de Hamilton

Se trata de una exposición en la que los tres artistas muestran su particular acercamiento a la obra de Velázquez.

Madrid. (EFE).- El artista británico Richard Hamilton (Londres, 1922) entra en el Museo del Prado de la mano de Goya y de Picasso en una exposición en la que los tres artistas muestran su particular acercamiento a Las Meninas de Velázquez.

Considerado como uno de los padres del Pop Art, aunque el prefiere que le definan como abuelo del Pop Art, Richard Hamilton exhibe en el Prado su aportación al homenaje a Picasso que se realizó con motivo del noventa cumpleaños del artista malagueño. Se trata de cinco dibujos preparatorios y preliminares y seis pruebas de estado que culminan en la estampa definitiva con la que Hamilton contribuyó a este homenaje a través de su reinterpretación de la obra de Velázquez. Junto a la exhibición por primera vez al público de este proceso creativo se muestran un dibujo y tres pruebas de estado de la personal interpretación que hizo Goya de la obra de Velázquez. La exposición se completa con un dibujo en azul pintado por Picasso en 1957 sobre una hoja de papel de cuaderno, para su serie sobre Las Meninas. Estas obras, tres de las interpretaciones más memorables, suponen un nuevo acercamiento a la obra de Velázquez que impresionó a Hamilton. "Cuando vi la pintura por primera vez hace muchos años, nunca había contemplado un cuadro igual y nunca lo he vuelto a ver. Fue una gran experiencia de la que nunca me he desprendido y que vuelvo a experimentar cada vez que contemplo la obra". Lleno de vitalidad a pesar de sus 88 años, el artista británico fue explicando a los periodistas el progreso de sus dibujos hasta llegar a la estampa final con la que contribuyó al Homenaje a Picasso junto a otros sesenta artistas que participaron con obra gráfica en la carpeta con la que se pretendía festejar el noventa cumpleaños del artista malagueño. El porfolio no vio la luz hasta 1973 convirtiéndose en el primero de los homenajes póstumos a Picasso. La aportación de Hamilton fue Las Meninas de Picasso, un aguafuerte con aguatinta sobre papel blanco realizado con Aldo Crommelynck, el grabador con el que Picasso elaboró sus estampas durante más de veinte años.
http://www.lavanguardia.es/cultura/noticias/20100322/53898905097/las-meninas-de-hamilton-entran-en-el-prado-de-la-mano-de-goya-y-picasso.html

martes, 16 de marzo de 2010

PINTORES ACTUALES. Jan Van Eden


Jan van Eden (Voorburg, 1942) es autodidacta como artista y de los principios de los sesenta hasta la actualidad, creó una obra extensa de dibujos y pinturas.
Several distinctive periods can be distinguished in his artistic career, which broadly coincide with decades. Varios períodos distintivos pueden distinguirse en su carrera artística, que coinciden ampliamente con décadas. His early work of the Sixties in an expressionistic manner is characterized by rather caricatured drawings of single figures in oil paint on paper, all with an undertone of rebellion and social protest. Sus primeros trabajos de los años sesenta de forma expresionista se caracteriza por dibujos más bien caricaturesca de un solo dígito en la pintura al óleo sobre papel, todas con un trasfondo de rebelión y protesta social. Exploring similar themes in the Seventies he placed his figures in a structured interior space, thereby enhancing the meaning and content of his paintings. Exploración de temas similares en los años setenta puso sus figuras en un espacio interior estructurada, aumentando así el sentido y el contenido de sus pinturas. In the Eighties he took on more complex themes, such as the triptychs on the arrogance of power. En los años ochenta, tuvo en los temas más complejos, como los trípticos sobre la arrogancia del poder. In the Nineties he explored two opposing themes, “Metropolis”, ie, our dynamic civilization, and “Lost Paradise”, referring to environmental problems and the disappearance of the large animal species. En los noventa se exploraron dos temas opuestos, "Metropolis", es decir, nuestra civilización dinámica, y "Paraíso Perdido", en referencia a los problemas ambientales y la desaparición de las especies animales de gran tamaño. At the end of the Millennium there was a radical change in his stylistic development, with a more realistic figuration and greater emphasis on color. Al final del milenio se produjo un cambio radical en su desarrollo estilístico, con una figuración más realista y un mayor énfasis en el color.
From 1967 through 1984 Jan van Eden lived in Central and Southern Africa, Latin America and the Middle East, where he worked on numerous mineral exploration programs as a geologist. De 1967 a 1984, Jan van Eden vive en África central y meridional, América Latina y el Oriente Medio, donde trabajó en numerosos programas de exploración de minerales como geólogo. In 1985 he has settled in Amsterdam where he has dedicated himself exclusively to his work as an artist. En 1985 se ha asentado en Amsterdam, donde se ha dedicado exclusivamente a su trabajo como artista.

sábado, 13 de marzo de 2010

PINTORES ACTUALES: JORDI ALIGUE



Artista interdisciplinar e investigador.
Profesor de dibujo, pintura y grabado.
Durante su larga trayectoria ha mostrado su obra en Cataluña, España, Francia, Italia, Japón y Suecia. Ha participado en las ferias de arte de: Arco, Bari, Basilea, Barcelona, Bolonia y Londres.
Ha formado parte del colectivo “Esclat Gris-80” y de la dirección y coordinación del espacio de arte “Artual” de Barcelona.
Ha publicado tres libros de poesía: Constructora de somnis, La mà a l’ombra y El Sot de l´Om. Editor de la colección de obra gráfica Petjades d’Art. Ha formado parte de la dirección de la asociación cultural Besllum.
Codirector del proyecto “Cardedeu amb l’Art Vigent 2004-2008” y actualmente director artístico de Vallgrassa, Centro Experimental de las Artes en el parque del Garraf.

martes, 9 de marzo de 2010

IMPRESIONISMO

IMPRESIONISMO

Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como música y literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste.

El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.

http://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo

PINTORES IMPRESIONISTAS

Édouard Manet

Le Déjeuner sur l'Herbe (1863). Museo de Orsay

El bar del Folies-Bergère (1881–1882) Courtauld Institute de Londres

Edgar Degas

Clase de baile, 1875 (Musée d'Orsay, París)

El ajenjo, 1876 (Musée d'Orsay, París)

domingo, 7 de marzo de 2010

VIAJE PARIS. 2º Batx.

RELACIÓN DE OBRAS DE ARTE QUE VAIS A PODER VER EN EL VIAJE:

La muerte de la Virgen
Caravaggio
Museo del Louvre de París


La Muerte de la Virgen ( Morte Della Vergine) es una obra maestra del pintor italiano Caravaggio.
Estilo: Barroco y tema religioso.
Óleo sobre tela.
Está realizado al óleo sobre lienzo, en el año 1606 con el título de La Mort de la Vierge.
Esta pintura no pudo estar terminada antes de 1605-1606. La representación de la Virgen María causó cierto escándalo, y fue rechazada como inadecuada para la parroquia, que en su lugar puso un cuadro sobre el mismo tema realizado por Carlo Saraceni.
http://www.historiadelarte.us/barroco/la-muerte-de-la-virgen.html





Eros y Psique
Antonio Cánova
Museo Nacional del Louvre

Autor:Antonio Cánova
Fecha:1786-93
Características:155 cm. altura
Material: Mármol
Estilo: Neoclásico y tema mitológico.
Inicialmente tallada para el palacio de F. Berio en Nápoles, esta obra de Canova, el más importante escultor italiano de finales del siglo XVIII y comienzos del siglo XIX, ilustra adecuadamente, como otras obras suyas de este período, su vinculación teórica con las ideas de Winckelmann, no sólo en cuanto a la imitación analógica de las estatuas griegas, a las que como señalaba el erudito alemán había que imitarlas para alcanzar a ser inimitables, sino también en relación al método de realización, abocetando fogosamente y realizando con flema, procedimiento seguido ejemplarmente por Canova.
Conviene recordar también que este grupo es poco anterior a una de las obras más meditadas y simbólicas de Canova, el Perseo, verdadera recreación del ideal de la escultura clásica que Winckelmann veía en el Apolo del Belvedere.



"El juramento de los Horacios"
Jacques-Louis David. S.XVIII
Museo del Louvre

Juramento de los Horacios (Le Serment des Horaces) es una obra de Jacques-Louis David realizada en 1784, antes de la Revolución francesa.
El cuadro tiene una dimensión de 330 x 425. Se le considera el paradigma de la pintura neoclásica. Tema literario. Óleo sobre tela.
En él se representa el «saludo romano», con el brazo extendido y la palma hacia abajo. El tema de la pintura tiene una perspectiva extrema patriótica y neoclásica; más tarde se convirtió en modelo a seguir por futuros pintores. Aumentó la fama de su autor, y le permitió mantener a sus propios estudiantes.



El escriba sentado
Museo Nacional del Louvre


El escriba sentado, también conocido como El escriba sentado del Louvre, es una de las estatuas más representativas de la escultura del Imperio Antiguo de Egipto, y una de las más famosas y bien conservadas de toda la Civilización egipcia.
Fue esculpida entre los años 2480 y 2350 a. C.
Se realizó en una época en que Egipto se encuentra en la cima de su gloria y se ha abandonado la construcción de grandes pirámides: los artesanos cubren más campos, las tumbas y los templos tienen una arquitectura más compleja y el arte se ocupa de objetos más pequeños, reproduciendo la vida cotidiana.
Los escribas, que son indispensables en el Estado fuertemente centralizado, son representados frecuentemente.



Libertad guiando al pueblo
Eugène Delacroix
Museo del Louvre

El lienzo representa una escena del 28 de julio de 1830 en la que el pueblo de París levantó barricadas. El rey Carlos X de Francia había suprimido el parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa. Los disturbios iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocó en una revolución seguida por ciudadanos enojados de todas las clases sociales. No existió un único cabecilla. Por eso Delacroix representa a la Libertad como guía que conduce al pueblo. Tampoco está representada de una forma abstracta, sino que es una figura alegórica muy sensual y real.
El espectador sólo tiene dos posibilidades, el unirse a la masa, o el ser arrasado por ella. El pueblo es la unión de clases: se representa al burgués con su sombrero de copa y empuñando el fusil, al lado un andrajoso y un herido que pide clemencia a Francia. Al fondo aparecen brumas y humos de la batalla que diluyen un barrio francés bastante realista. A los pies de la Libertad un moribundo la mira fijamente indicándonos que ha valido la pena morir por ella.




Torre Eiffel
Gustave Eiffel
París

La Torre Eiffel, inicialmente nombrada torre de 330 metros (tour de 330 mètres), es una estructura de hierro pudelado diseñada por el ingeniero francés Gustave Eiffel y sus colaboradores para la Exposición universal de 1889 en París.




La Madelaine.
París

La iglesia de la Madeleine es un templo católico de estilo neoclásico. Está a algunos metros de la Plaza de la Concordia (Concorde), en una zona muy comercial de alto nivel (al lado de la calle Faubourg-Saint-Honoré, una de las más comerciales de París). La iglesia de la Madeleine llama la atención por su arquitectura en forma de templo clásico romano.
La construcción comenzó cerca del año 1764 por Pierre Contant d'Ivry, siendo luego reconstruida con planos de Guillaume Couture (1777), aunque a causa de la Revolución francesa las obras se interrumpieron de 1790 a 1805 y en 1806 La Madeleine se transformó en Templo homenaje a la Gran Armada, función que tuvo hasta que se acabó de construir el Arco del Triunfo, que la relevó en esa función.
En 1842 volvió a ser iglesia católica, función que continúa representando en la actualidad.
La Madeleine no se corresponde con las construcciones típicas de la iglesia occidental, lo que, vista desde el exterior, lleva a confusión. El interior de La Madeleine de París está proyectada en estilo barroco lo que crea un contraste muy interesante entre las fachadas y la parte interna de la iglesia. Destacan las vistas desde la parte superior de la escalinata en donde se contempla la Rue Royal, con la plaza de la Concordia y el Obelisco de Luxor en el centro.





Arco de triunfo de l’Etoile
París

El Arco de Triunfo de París (Arc de Triomphe) es uno de los arcos de triunfo más famosos del mundo. Está ubicado en la plaza Charles de Gaulle, en el extremo oeste de la avenida Champs-Élysées. Antiguamente, el nombre de la plaza era Place de l'Étoile.
Napoleón Bonaparte decidió construir este arco tras su victoria en la Batalla de Austerlitz (1805), tras prometer a sus hombres: «Volveréis a casa bajo arcos triunfales». Fue diseñado por Jean Chalgrin, inspirado en la arquitectura romana, y alcanza una altura de 49 metros y 45 de ancho. Posee una estatua en cada uno de sus cuatro pilares:
• Le Triomphe (El Triunfo), de 1810
• La Résistance (La Resistencia)
• La Paix (La Paz)
• Départ des volontaires de 1792 o La Marseillaise (La Marsellesa, de François Rude)
Sobre las caras exteriores del Arco están grabados los nombres de grandes revolucionarios y las victorias militares de Napoleón I.Sobre los muros interiores del monumento están inscritos los nombres de los 558 Generales del Imperio francés. Los nombres de aquellos que murieron en combate están subrayados.
Napoleón cambió de idea en el último momento a la hora de realizar un monumento en la Plaza de la Estrella (Place de l´Étoile), ya que en un principio el monumento que se iba construir era un elefante de más de 50 metros que echase un chorro de agua por la trompa. Esta construcción hubiese sido quizás más impresionante si cabe que el actual Arco del Triunfo erigido por la victoria en la batalla de Austerlitz.
Dentro del Arco se encuentra un museo que explica su historia y construcción. Es posible ascender al techo desde donde se puede disfrutar de una vista panorámica de algunos de los lugares turísticos más famosos de París.
El Arco del Triunfo forma parte de los monumentos nacionales que poseen una fuerte carga histórica. A sus pies se encuentra la Tumba al Soldado Desconocido de la Primera Guerra Mundial, en cuya superficie hay una inscripción: ICI REPOSE UN SOLDAT FRANÇAIS MORT POUR LA PATRIE 1914-1918 («Aquí yace un soldado francés muerto por la Patria 1914–1918») y una llama continuamente encendida que las asociaciones de antiguos combatientes o de víctimas de guerras reavivan todos los días a las seis y media de la tarde, conmemorando su recuerdo que es revivido cada 11 de noviembre, aniversario del armisticio firmado en 1918 entre Francia y Alemania que puso fin a la Primera Guerra Mundial.
Curiosidades
• La rotonda que lo rodea es peculiar porque en ella los coches que circulan por dentro deben dar preferencia a los que quieren entrar, al contrario que en el resto de rotondas.
• Las dimensiones del arco son armónicas, con una altura de 50 metros por 45 de ancho.
• Tras subir las esscaleras y llegar a la cima, el turista encontrará un pequeño museo, y una pantalla paralela al suelo conectada a una cámara que se encuentra oculta en el interior (debajo) de la arcada, desde la que se puede ver a la gente como si hubiera un agujero a través del suelo de dicho museo.




El Pensador
Rodin
Museo Rodin

El pensador (Le Penseur) es una de las más famosas esculturas en bronce de Auguste Rodin
Existen más de veinte versiones de la escultura en diferentes museos alrededor del mundo. Algunas son versiones ampliadas del original; otras, de diferentes proporciones
La pieza, denominada originalmente El poeta, formaba parte de una comisión del Museo de Artes Decorativas de París para crear un monumental portal basado en La Divina Comedia de Dante. Cada una de las estatuas representaba a uno de los personajes principales del poema alegórico. El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante frente a Las Puertas del Infierno (como llamó, en efecto, al portal del que formaría parte), ponderando su gran poema. La escultura es un desnudo, ya que Rodin deseaba una figura heroica al estilo de Miguel Ángel para representar tanto el pensar como la poesía.
Existen más de veinte versiones de la escultura en diferentes museos alrededor del mundo. Algunas son versiones ampliadas del original; otras, de diferentes proporciones. El Pensador está fundido en bronce y fue terminado en 1880.



El desayuno en la hierba
Edouard MANET
Museo d’ Orsay (París)


Desayuno sobre la hierba (Le Déjeuner sur l'herbe) es un cuadro realizado por el famoso pintor francés Édouard Manet en 1863.
Mide 208 cm de altura y 264,5 de largo. Es un cuadro al óleo. Se exhibe en el Museo de Orsay
Al principio se llamó a este cuadro Le Bain, y luego La Partie carrée. En español, también se ha traducido como La merienda campestre1 o, también, Almuerzo campestre
La yuxtaposición de un desnudo femenino con caballeros completamente vestidos suscitaron controversia cuando la obra se mostró por vez primera en el Salon des Refusés en 1863, después de ser rechazado por el Salón oficial. Fue el lienzo «más irritante y controvertido» de esa exposición de obras rechazadas2 . Aparte de considerar vulgar el que una mujer estuviera desnuda junto a jóvenes vestidos, numerosos críticos rechazaron la modernidad del estilo, desde el punto de vista cromático y compositivo.



Entierro en Ornans
Gustave Courbet
Museo de Orsay


Entierro en Ornans (Un enterrement à Ornans) es uno de los cuadros más conocidos del pintor francés Gustave Courbet.
Está realizado al óleo sobre tela. Mide 315 cm de alto y 668 cm de ancho. Fue pintado en 1849, encontrándose actualmente en el Museo de Orsay
La pintura fue presentada en el Salón de 1850, provocando un escándalo, ya que se había dado el tratamiento, en formato y estilo, de una pintura de historia a lo que no era sino un episodio banal, un entierro de pueblo, es decir, una escena de género
Esta pintura marcó el nacimiento del verdadero realismo.



Jugadores de cartas
Paul Cézanne
Museo:Museo de Orsay

Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 47,5 cm de alto y 57 cm de ancho.
Fue pintado entre 1889 y 1892
Sobre el mismo tema de la partida de cartas, Cézanne pintó cinco cuadros diferentes , toda una serie, entre 1890 y 1896
Este lienzo pertenece a la época de madurez (década de 1890) en la que Cézanne produce sus principales lienzos. Ejemplifica los cuadros en los que los personajes están fuertemente anclados en su decorado. Es un periodo en que Cézanne fue invitado a exponer con el grupo Les XX en Bruselas y, más tarde, celebró su primera exposición en París
Todos los volúmenes están definidos de manera geométrica , lo que confiere a los dos personajes una dignidad clásica. Son dos campesinos que juegan a las cartas, con una botella de vino en medio, en la que se refleja la luz1 Distorsionando la visión perspectiva, Cézanne logra obtener el máximo grado de centralidad, que resulta increíble en una escena de vida. Toda la tela está construida con tonos de los colores azul, amarillo y rojo. Esta restricción cromática «intensifica la sensación de austeridad formal».Las pinceladas se presentan solitarias y sintéticas, como el reflejo sobre la botella o el simple trazo que describe el ojo del jugador de la derecha



Impresión, sol naciente
Claude Monet
Museo Marmottan (París)



Museo de la Orangerie : los míticos Nenúfares de Claude Monet recobran la luz natural
Los Nenúfares, mítica obra maestra del Impresionismo que Claude Monet regaló a Francia en 1918 para celebrar la victoria francesa en la Primera Guerra Mundial, han recobrado la luz natural que el pintor quiso darles en el Museo Orangerie, especialmente creado para acoger este testamento artístico, “el asilo de una meditación tranquila en el centro de un acuario florido”.



La Gioconda
Leonardo da Vinci.
Museo del Louvre

Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini.
Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506, y retocado varias veces.
La técnica usada fue el sfumato, procedimiento muy característico de Leonardo. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.
Además, se han usado herramientas tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra. Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada.
Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.
La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino en los misterios y enigmas que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.



Centro Pompidou

El Centro Pompidou es el nombre más comúnmente empleado (otros son Beaubourg o Musée National d'art Moderne) para designar al Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de París.
Diseñado por los entonces jóvenes arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers. Fue inaugurado el 31 de enero de 1977.
Se trata, además, de un edificio que alberga una biblioteca con un aforo de 2.000 personas, abierta al público. Fue terminado en 1977.
El centro fue construido durante el mandato del presidente francés Georges Pompidou, el cual falleció antes de que se terminara el edificio. Fue su sucesor, Valéry Giscard d'Estaing, quien lo inauguró en 1977. Rehabilitado entre 1997 y diciembre de 1999, volvió a abrir sus puertas al público el 1 de enero de 2000. Es de uno de los monumentos más visitados de Francia, con cerca de seis millones de visitantes al año.



Notre Dame
Estilo Gótico

La Catedral de Notre-Dame de París es una de las catedrales francesas más antiguas de estilo gótico, se empezó a construir en el 1163 y se terminó en 1245.
La catedral surge íntimamente ligada a la idea del esplendor gótico.
La ciudad resurge con una extrema importancia en el campo político, en el campo económico (espejo de las crecientes relaciones comerciales), ascendiendo también, por su lado, la burguesía adinerada y la influencia del clero urbano. El resultado de esto es una sustitución también de las necesidades de construcción religiosa fuera de las ciudades, en las comunidades monárquicas rurales, por el nuevo símbolo de la prosperidad urbana, la catedral gótica. Y como repuesta a la búsqueda de una nueva dignidad creciente en el seno de Francia, surge la Catedral de Nôtre-Dame de París.
Destaca particularmente su magnífico órgano Cavaille-Coll, siendo la plaza de organista titular de Notre-Dame uno de los más altos honores a los que puede aspirar un organista.